Films à l'affiche

On pourrait reprocher au film sa modestie, mais c’est justement cette modestie qui fait sa justesse. Donzelli ne cherche pas à « faire pauvre » ou à accentuer la misère. Elle filme la dignité dans la discipline, la cohérence dans le renoncement. C’est un cinéma tenu, droit, qui refuse l’emphase pour mieux laisser le spectateur éprouver l’addition des concessions. Un film de probité, à la fois modeste et nécessaire.

Le Bleu du Miroir

Porté par un Laurent Lafitte enthousiasmant dans ce double rôle, le film bascule dans une tonalité fantastique assumée, miroir de la paranoïa du personnage et de son sens du déclassement. Ce conte irrévérencieux et moderne, brocardant la performance et le culte de l'image de soi, fourmille également de mille idées saugrenues qui auront de quoi réjouir les spectateurs amateurs d’un humour décalé.

Abus de Ciné

La relecture par Park Chan-Wook du Couperet de Costa–Gavras est d’une originalité débordante, à la fois comédie noire et satire sociale, spectacle réjouissant et cruel du début à la fin. Le film plonge à grande vitesse dans le délire de son personnage en réussissant le tour de force de la faire passer pour une évidence absurde. Il doit beaucoup à son comédien, Lee Byung-hun, dont la richesse du  jeu est proportionnelle à celle de la mise en scène : séquences opératiques où la musique surprend les dialogues, découpage insolite, raccords renversants : chaque plan termine avec une idée avant que le suivant ne commence par une autre. Devant une telle inventivité, on se dit que l’on est face au travail d’un grand artiste visuel.

Le Bleu du Miroir

Finement dialogué, "Chers Parents" empile au départ des quiproquos dignes de pièces de boulevard, avant de jouer sur des termes comme « transmettre » ou « équité » au travers de situations qui font ressortir le pire de chacun. Avec une fin à l’ironie sympathique, mais un message de fond plutôt éclairé sur la manière dont l’argent rend fou mais peut aussi changer des vies.

Abus de Ciné

Grâce à une remarquable fluidité d’écriture, Alice Winocour parvient à éviter les écueils du film choral. Elle donne une finesse et une respiration à ses différentes héroïnes, toutes regardées avec une émouvante tendresse. Sous les strass, le film tisse les fils qui relient ces différentes femmes. 

Avec son récit fragmenté et une caméra en mouvement qui rappelle parfois les Dardenne (ils sont coproducteurs), ce film explore avec délicatesse et sans pathos le sentiment amoureux dans sa pureté et sa fragilité face à la disparition, incarné par deux actrices pleines de grâce. Et réaffirme avec force qu’aimer est un droit pour tous.tes, ce qui ne va malheureusement plus toujours de soi… 

Métaphore satirique des bouleversements de l’adolescence, le film se concentre sur l’effet révélateur qu’ils produisent sur le couple des parents, faisant sortir au grand jour petits et grands mensonges et lâchetés quotidiennes. Son humour jouissivement grinçant et son scénario malin, très habilement mis en scène, font de ce film intelligent un moment fort réjouissant. 

Évoluant sur une ligne de crête entre film engagé et film de sujet, La Guerre des Prix fascine autant qu’il informe. Ce premier long-métrage dessine les bases d’un cinéma à la fois politique et incarné, mêlant clarté du propos, tension narrative et intelligence de mise en scène. Le film résonne ainsi bien au-delà de son thème, en capturant un sentiment de désenchantement largement partagé.

Le Bleu du Miroir

Ne se perdant jamais dans un féminisme outrancier ou un misérabilisme pleurnichard, le récit s’attache à restituer avec humilité les échanges avec les patientes ou à transmettre l’énergie communicative d’une équipe de soignantes soudée. Un film choral généreux qui donne diablement envie de croire encore au pouvoir de l’entraide, de la persévérance et de l’amour sous toutes ses formes.

Hommage vibrant au cinéma (principalement d'Hitchcock) romantique, entre comédie policière et thriller ludique, le film célèbre le pouvoir salvateur de l'imaginaire et du romanesque. Il nous convie à un jeu de piste réjouissant, porté par la complicité et l'énergie communicative du pétillant duo Casta/Lellouche, par un méchant réussi, des dialogues percutants, un scénario enlevé, la photographie savamment contrastée de Pierre Cottereau et la fabuleuse partition de Laurent Perez del Mar.

In the mood for cinéma

Une beauté jamais vue surgit dans ce film salué par le prix Un Certain Regard au dernier Festival de Cannes. Céspedes puise son inspiration dans ses souvenirs et imagine une communauté transgenre qu'il filme comme sa propre famille. Le plus curieux étant de voir cet univers presque surnaturel avec le regard d'une enfant de 11 ans. Tout retentit en elle, les vérités comme les légendes du cabaret, et rien ne l'effraie et c’est à ce courage féminin que semble dédié ce conte. Avec beaucoup d'idées, d'audace, un don pour filmer les visages et une maîtrise formelle superbe, Céspedes signe un film unique en son genre.

Télérama

Éminemment optimiste sans être naïf, Le Rêve américain est un film qui fait du bien. Une véritable bouffée d'air dans un climat morose où les rêveurs ont perdu de leur crédibilité. Et la manière y est aussi, avec un soin particulier apporté à la mise en scène des matchs souligné par une superbe bande son. Mais qu'on soit fan de basket ou non, on vous promet quand même deux heures de plaisir !

Abus de Ciné

Captivant tout du long de ses larges 3h15, le film de Xavier Giannoli est tout simplement brillant, fin dans l’interrogation, palpitant dans la forme, tragique dans le fond. Frappé d’un sentiment de tristesse bouleversante qui accompagne des destins érigés en symboles, il est aussi remarquable dans sa construction narrative, en évitant les jugements trop faciles, et dans l’analyse qu’il laisse au spectateur de l’Histoire. A coup sûr, l’un des très grands films de l’année.

MondoCiné

ll y a du théâtre et de la tragédie antique dans cette histoire, et Pascal Bonitzer ne s’y est pas trompé, en choisissant des interprètes essentiellement issus de la scène avec, au centre, Denis Podalydès qui prête sa verve et sa malice au commissaire Maigret, avec sa détermination aussi vive que son esprit, son verbe incisif et sa normalité joyeuse. Ce qui fait du bien également, c’est cette sensation de glisser, le temps d’un film, dans une bulle hors du temps, loin du fracas du monde, de sa course assommante à la modernité, et de voir à l’œuvre l’intelligence, la profondeur du récit et l’incroyable vitalité de ses personnages. 

Utopia

Comme dans Uncut Gems, l’objectif de Josh Safdie est de porter l’individualisme américain à son extrême, jusqu’à un point de rupture. L’excès filmique devient alors une critique par l’ironie des dérives du rêve américain faisant de la réussite sociale une simple question de volonté. Marty Supreme exploite le dévouement et la conviction de Chalamet, son énergie verbomotrice qui fait fuser les répliques et son sens aiguisé du spectacle de soi. Il en résulte une œuvre exaltante, drôle, imprévisible dans ses tours et détours et ses changements de ton ; en somme, l’un des spectacles les plus réjouissants de l’année.

Revue 24 images

Laissez-vous emporter par MOHABBATEIN, fresque romantique culte du cinéma Bollywood où l’amour défie les règles, portée par des personnages inoubliables, des chansons mythiques et toute l’intensité émotionnelle qui fait battre le cœur de l’Inde.

Nino dans la nuit décrit avec énergie et lyrisme la lutte d’une jeunesse en marge, entre fêtes, galères et recherche de sens. Laurent Micheli filme cette précarité avec passion, jouant des couleurs, de la musique et d’une voix off poétique pour donner souffle à un portrait social intense.  Cette quête d’amour et de liberté, percutée par un environnement souvent hostile,  est superbement irriguée par l’énergie vivifiante d’un jeune et talentueux casting.

Avec ce passionnant documentaire protéiforme, Raoul Peck (I’m not your Negro, Ernest Cole) décortique les concepts politiques développés par George Orwell dans son roman culte et montre comment, 75 ans après sa mort, ils restent d’une incroyable et terrifiante pertinence…

Jean-Baptiste Saurel embrase les années 80 avec une comédie policière qui mêle nostalgie, satire et pure jubilation de mise en scène. Un trip rétro bourré d’humour, d’énergie et d’un vrai amour pour ses personnages dépassés. Un spectacle généreux, drôle, extrêmement bien tenu, mais aussi un miroir - déformant mais lucide - tendu à notre propre époque. Un mélange de potacherie et de sincérité qui claque.

Première

Sam Rami signe un thriller survivaliste qui navigue entre le film d’aventure, la comédie noire, l’anti-romcom et l’horreur. Particulièrement habile pour conjuguer des éléments surprenants, il est autant capable de scènes hilarantes à la lisière du grotesque, que de plans bien horrifiques rappelant qui est son auteur. Et pour lier tout ça, le cinéaste propose un vrai film de studio mais dynamité par une impertinence jouissive et un sadisme satirique plus corrosif qu’une giclée d’ammoniaque.

Mondociné

Une œuvre puissante et passionnante qui dépasse de très loin la simple couture d’images d’archives. Leçon de montage, tragédie, thriller, concert, fugue et rhapsodie: le film est tout cela. 

Culturopoing

À travers le prisme des lois islamiques sur l'héritage, Thank You for Banking with Us offre une critique perspicace, teintée d'humour noir, de la rigidité de la bureaucratie islamique et des structures patriarcales qui imprègnent profondément la société palestinienne.

Kelly Reichardt poursuit ici sa passionnante entreprise de déconstruction des mythes de cinémas américains. Avec une science consommée de la mise en scène et du contretemps, elle nous livre un faux film de braquage magistralement porté par Josh O’Connor, un “beautiful loser” sublime de désinvolture.

Une œuvre puissante sur l’absence et l’amour filial, qui se vit à travers une seule journée singulière en pleine crise électorale. Plus qu’un simple drame social, le film se déploie en chronique poétique où la relation père-fils se mêle à la mémoire et au contexte politique, oscillant entre tendresse, onirisme visuel et réalité historique. 

Lettre d’amour à Beyrouth, le film revisite la comédie romantique sur fond de guerre et de ruines mais avec un élan vital et une drôlerie qui nous embarque dès les premières séquences. Porté par un duo d’interprètes magnétique, il capte avec finesse le désir d’aimer et d’espérer malgré l’instabilité, livrant une œuvre sensible, incarnée et profondément émouvante.

Charmante et sympathique comédie familiale qui doit beaucoup à l'abattage de Fabrice Lucchini confronté à la détermination de quatre formidables jeunes actrices, et qui donne envie de lire ou relire le grand Victor !

Baz’Art